Alex Moreno: Solo Piano Recital

'Deep River' es una canción sobre cruzar fronteras, físicas y metafóricas. A través de la riqueza de las texturas de la música, su melodía simple pero memorable y sus episodios contrastantes, desde la serenidad hasta el drama inquieto, el compositor sugiere tanto la anchura física como la profundidad de un gran río y las divisiones reales e ideológicas entre los pueblos.

'Deep River' es uno de los espirituales más conocidos; Coleridge-Taylor lo encontró por primera vez en una actuación de Fisk Jubilee Singers, un conjunto de acapella afroamericano, que escuchó en un concierto cuando visitaron Londres. Coleridge-Taylor buscó integrar la música tradicional africana en la tradición clásica, no muy diferente de Brahms y Dvořák en el uso de modismos de la música folclórica estadounidense y de Europa del Este en sus obras. 'Deep River' es una de 24 melodías negras transcritas para piano, que Coleridge-Taylor publicó en 1905. En general, no utilizó melodías populares enteras en sus composiciones, prefiriendo crear fantasías basadas en la melodía original. En 'Deep River', el compositor usa solo los primeros cuatro compases de la canción y prescinde de la organización verso-estribillo-verso, aunque fragmentos de la melodía principal regresan a lo largo de la pieza.

Río profundo, mi hogar está sobre el Jordán;
Río profundo, Señor, quiero cruzar al campamento.
Oh, ¿no quieres ir a esa fiesta del evangelio,
esa Tierra Prometida donde todo es paz?
Río profundo, Señor, quiero cruzar al campamento.

Notas cortesía de Interlude

Desde su época de estudiante hasta los años de entreguerras, Maurice Ravel asistía habitualmente al elegante y estiloso salón de la princesa Edmond de Polignac (1865-1943). Era estadounidense, cuyo apellido de soltera era Winnaretta Singer, y se convirtió en heredera de la fortuna de las máquinas de coser Singer. También fue una destacada mecenas de las artes. Fue esta princesa quien le encargó a Ravel que escribiera su pieza para piano de seis minutos, Pavane for a Dead Princess . Ravel tocó la Pavane por primera vez en 1899, y de la noche a la mañana lanzó su reputación. La pieza se hizo extremadamente popular y el compositor la orquestó en 1910.
 

La redacción del título de Ravel fue lamentable, y con frecuencia tuvo que explicar que la pieza no es un cortejo para una princesa fallecida recientemente. El verdadero sentido de esto es en realidad "una princesa del pasado".
 

Característico de Ravel, se volvió hipercrítico con la pieza. En 1912, teniendo que reseñar un concierto en el que se había programado la Pavane, escribió: "Ya no veo sus puntos buenos desde esa distancia. Pero, ¡ay!, percibo muy claramente sus fallas: ¡la influencia flagrante de Chabrier y la forma bastante pobre! Creo que la notable interpretación de esta obra incompleta y poco original contribuyó a su éxito."

Notas cortesía del Dr. Michael Fink © 2023 para RIPHIL

Aunque francés, Milhaud estuvo fuertemente influenciado por el jazz y la música brasileña. En 1917-18, viajó a América Latina y estuvo allí expuesto a las danzas y ritmos brasileños. Cada uno de los bailes de esta suite se basa en un ritmo de tango o samba y lleva el nombre de varios barrios y ciudades de Brasil.

Los bailes se pueden dividir en dos grupos:

1. El ritmo de baile en la mano izquierda se toca contra una melodía lenta y sencilla en la mano derecha.
2. El ritmo de baile es la fuerza impulsora y ambas manos trabajan juntas.

Aparte de los ritmos y personajes de estilo brasileño, hay otra característica definitoria de esta suite para piano: el uso de la politonalidad por parte de Milhaud. La politonalidad es cuando se utilizan varias claves al mismo tiempo. En estos bailes, a menudo la mano derecha tiene un centro clave diferente al de la mano izquierda. Esto da una sensación de desunión, que... es perfecta para el estilo divertido de estos bailes.

Notas cortesía de A Pianist's Musings

El preludio en Do sostenido menor fue originalmente uno de un conjunto de cinco piezas llamado Morceaux de fantaisie. Ahora lo encontrará compilado con mayor frecuencia con sus otros preludios. De hecho, interpretó esto en su primer concierto público como "Artista libre" después de graduarse del Conservatorio de Moscú. La pieza es una forma clara de A-B-A, donde la A consiste en una textura gruesa de acordes que suena como campanas con una melodía inquietantemente hermosa encima y la sección B que crea una sensación de ataque de ansiedad por parte del compositor. No, tal vez no estaba transmitiendo un ataque de ansiedad, pero la historia dice que la inspiración detrás del preludio fue un sueño que tuvo. El sueño estaba ambientado en un funeral (las “campanas” de la sección A), y allí el “centro del escenario” era un ataúd. Cuando Rachminoff se acerca para mirar dentro del ataúd, se ve a sí mismo allí dentro, donde inmediatamente siente terror y ansiedad (la sección B “agitato”). Ya sea que la historia del sueño sea cierta o no, es cierto que experimentó la pérdida de miembros de su familia a una edad temprana.

Una de las dos piezas de la colección Opus 48 de Chopin, el Nocturno en do menor se considera uno de los mayores logros emocionales del compositor.

Lúgubre, majestuoso y hermoso: en poco más de seis minutos de música impresionante, Chopin explora los rangos emocionales del piano. La obra fue compuesta en 1841 sola con su Nocturno en fa sostenido menor, y dedicada a una de las alumnas predilectas del compositor, Laure Duperré.

Gracias a la gran variedad entre los Nocturnos, con los números 1-18 publicados en vida de Chopin, las piezas se han adoptado como la columna vertebral del repertorio romántico para piano. Pocos, sin embargo, son tan poderosos como el Opus. 48. A pesar de ser relativamente breve, las fuertes notas de bajo y la solemne melodía del nocturno se combinan para crear una abrumadora sensación de desesperación.

El siguiente conjunto de Nocturnos tardó un poco más en componerse; la operación El par 55 se completó entre 1842 y 1844. Completó dos juegos más antes de morir en 1849, a los 39 años.

Notas cortesía de ClassicFM

Rondo capriccioso comienza con una introducción lírica y luego continúa con la sección principal Presto leggiero . Mendelssohn curiosamente compuso esta obra en orden inverso. La obra fue concebida originalmente en 1828 como un estudio, que comprende solo la parte presto en mi menor en estilo scherzo. Más tarde, en 1830, lo reelaboró ​​agregando la expresiva introducción Andante en mayor, similar a una canción, como regalo para Delphine von Schauroth, una talentosa pianista. En una carta a Fanny Mendelssohn, escribió que había agregado algunas melodías y pasajes nuevos al Presto leggiero original , al igual que agregar salsa y champiñones y que estaba bastante satisfecho con el trabajo. En el siglo XIX, fue una de las dos piezas para piano solo más famosas del compositor (siendo la otraVariaciones sérieuses ). Apareció con mucha frecuencia en los programas de conciertos de la época, incluido el de Mendelssohn.

Notas cortesía de Serene Yu